Presepe choc, la Natività nella spazzatura

Perignano, don Zappolini, il prete no global, tuona contro le ruspe e il razzismo: "L'odio dilaga anche tra i praticanti, in chiesa siamo diventati troppi"

di CARLO BARONI

Ultimo aggiornamento il 23 dicembre 2018 alle 08:42

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Don Armando davanti il presepe

Perignano (Pisa), 23 dicembre 2018 - Ecco un presepe dove non si vede la Natività. E dove la capanna è un enorme contenitore nero. Un cassonetto, appunto. Ecco Giuseppe, la Madonna e il bambinello sono lì dentro. Scarti di questo tempo. Altro che la brulicante Betlemme e quella mangiatoia che, pur povera, seppe dare calore e dolcezza. Nel presepe, davanti alla sguardo dei magi, restano solo le bestie. L’affondo di don Armando Zappolini, prete no global di Perignano, arriva anche quest’anno con una provocazione. «Dobbiamo avere il coraggio di fare il presepe dove Gesù ci aspetta, fra quegli scarti dell’umanità che da duemila anni sono la sua gente – scrive don Zappolini, nei grandi cartelloni che campeggiano attorno alla rappresentazione per spiegarla e raccontarla –. A chi sale sulle ruspe (e il riferimento ai recenti sgomberi dei campi nomadi è chiarissimo, ndr) e poi ci chiede di fare il presepe nelle scuole o di mettere i crocifissi nelle aule noi rispondiamo che il nostro presepe ce lo stanno distruggendo e calpestando proprio loro e che, se hanno mandato via tutti, nel loro presepe restano solo le bestie». 

Senza peli sulla lingua, con quell’ironia pungente che lo contraddistingue sia quando predica dagli altari come quando scende in campo contro la ludopatia, per salvare le prostitute o battersi per le comunità di recupero, don Zappolini rincara la dose a braccio: «dilaga il razzismo, e un’alta incidenza l’abbiamo tra i praticanti... C’è troppa gente, oggi, in chiesa. La nostra guida non è la cultura cattolica, è il Vangelo, unico e assoluto faro che porta nella solidarietà e nelle fratellanza». «Spostare la spazzatura – aggiunge – non significa risolvere il problema, è come quando abbiamo un sacco di sporcizia e lo si passa da una stanza all’altra: non si distrugge, il nodo resta senza soluzione».

«L’integrazione è materia complessa – prosegue don Zappolini –. Lo sappiamo benissimo che è ardua è la strada dell’ incrocio tra culture. Ma a noi che ci facciamo guidare dal Vangelo non deve sfuggirci che una persona integrata è una risorsa». Al parroco di Perignano, che mise anche Gesù bambino su un caccia per gridare stop agli armamenti, è caro il tema di ciò che possiamo valorizzare a nuova vita: « un detenuto, lo ricordo, costa 200 euro al giorno e il rischio di recidiva sfiora il 70 per cento – dice –. Un soggetto in una cooperativa di recupero costa sui 60euro al giorno, e il rischio di recidiva arriva al massimo al 20 per cento». Il presepe quest’anno si fa allora un grido di dolore: «parole e gesti di una cattiveria inaudita alimentano odio e contamino perfino chi frequenta la chiesa. Forse siamo troppi». E allora per cercare Gesù bambino bisogna scendere in fondo che più in fondo non si può, e affacciarsi nel bidone.

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da LIBERO

26 dicembre 

Ha messo la Madonna, Giuseppe e il bambino in un bidone nero della spazzatura. E il bue e l'asinello poco più in là, in mezzo a un mucchio di stracci.Così don Armando Zappolini, parroco di Perignano in provincia di Pisa, ha voluto celebrare "Gesù che si trova in mezzo agli scarti, ai reietti, ai buttati via" in polemica più che esplicita col vicepremier e ministro dell'Interno Matteo Salvini perché, ha spiegato, "quando disfi con una ruspa un campo rom o fai affondare un barcone nel mare o chiudi una casa di accoglienza e metti per la strada bambini e famiglie, è come buttare via delle cose ma quelle cose sono persone. E allora Gesù dove si trova? Si trova tra questa umanità scartata, in un cassonetto dei rifiuti".

Salvini, da parte sua, gli ha replicato su Twitter senza giri di parole: "Pensavo di aver visto tutto. Questo prete mette Gesù... nella spazzatura, contro 'le ruspe nei campi rom, i porti chiusi, la gente abbandonata', roba da matti. Forse, più che fare il sacerdote doveva mettersi in politica. Chissà se i parrocchiani sono contenti". E lui, il parroco, anzichè stemperare la polemica, è stato ancora più esplicito: "A Salvini non rispondo perché non lo stimo", ha replicato a Repubblica TV.

IL CANTO DELL'ASSENZA primo studio-esito di residenza

renzia.dinca

Vorno ( Lucca)

Dentro il progetto Della morte e del morire, stagione 2018-2019, ideato dalla Associazione Dello Scompiglio diretta da Cecilia Bertoni, una realtà oramai consolidata di ospitalità di residenze artistiche fra Natura e Cultura alle porte della città di Lucca, si stanno via via esplorando strade di incontro e confronto a livello internazionale di Compagnie di sperimentazione sui linguaggi del Teatro e delle arti performative. Nel ricchissimo programma (che si concluderà nel dicembre 2019) e dopo la ricezione di oltre 500 proposte da ogni parte del mondo), la vocazione internazionale Dello Scompiglio ha proposto l'esito di residenza artistica Il Canto dell''Assenza, ultimo tassello della trilogia performativa Rags of memory, progetto di ricerca teatrale e di formazione nelle arti performative nato nel 2006 dalla regista e pedagoga teatrale Anna Dora Dorno e Nicola Pianzola performer e pedagogo teatrale (cofondatore della Compagnia Instabili Vaganti), che ha attraversato diversi Paesi e coinvolto attori, artisti visivi, musicisti e performer da ogni parte del mondo (ne è testimonianza interessante di percorso il volume Stracci della memoria- Cue press, 2018, frutto di dodici anni di ricerca in oltre venti Paesi con diversi Premi anche internazionali). La performance a due, percorre con una certa grazia il tema della fine sia intesa come Morte fisica di un soggetto umano sia, forse quella più simbolica della separazione di una coppia, con tutto il dolore che ne consegue. C'è forte contaminazione nello spazio fra i generi: video, parola, canto, azioni performative che rilasciano suggestioni iconiche interessanti fra l'onirico e il memoriale. Come La sposa ( Anna Dora Dorno) che rintraccia nella natura i passi le tracce di una misteriosa scomparsa, come nel finale la danza atletica ma disperata dell'uomo ( Nicola Pianzola). Un lavoro da approfondire ma con spunti di pregio sul refrain Il suono dell'assenza non è il silenzio ma la saturazione del ricordo.

Carolina Balucani in ES , anche lei concorrente al Progetto come autrice ed attrice in esito di residenza, ha proposto una complessa prova tutta al femminile, dove interseca in una narrazione drammaturgica originale (da limare), in forma di monologo con diverse varianti nella riscrittura recitativa, di un lutto in rielaborazione dove l'ES, la parte oscura viscerale di noi umani, si confronta con le voci di dentro. Comprese le nostre infantili e rimosse. Per poter rinascere, poter rivivere. Anche questo un lavoro con valenze interessanti, da prosciugare.

IL CANTO DELL'ASSENZA-INSTABILI VAGANTI -Performance#3 della trilogia della memoria -Rags of Memory Performing Arts Project

Ideazione e regia Anna Dora Dorno

Performer Anna Dora Dorno e Nicola Pianzola

Cura del suono e progetto musicale Instabili Vaganti

in collaborazione con Riccardo Nanni e Alberto Novello

Ideazione video Instabili Vaganti

ES di e con Carolina Balucani

Progetti selezionati nel programma di residenze artistiche “Della morte e del morire” -Associazione Culturale Dello Scompiglio

Visti a Vorno ( Lucca), Tenuta dello Scompiglio, il 27 ottobre 2018

Ugo Mursia Editore

21 novembre 2013 · 

"Amori violenti" di Francesca Pidone manuale di difesa psicologica su Ansa. #25novembre #amoriviolenti #nofemminicidio

ANSA/ Libri: Violenza sulle donne, per salvarsi parliamone
'Amori violenti' di Francesca Pidone, 25/11 in ebook a 0,99 euro
(di Daniela Giammusso)(ANSA) - ROMA, 20 NOV - Sei milioni e
743 mila donne tra i 16 e i 70 anni. E' l'esercito di mogli,
figlie, madri, fidanzate, amiche, colleghe, vicine di casa, che
almeno una volta nella vita hanno subito violenza fisica o
sessuale, secondo l'Istat. Una metropoli di vittime che si puo'
aiutare a uscire dal tunnel (o, meglio ancora, ''educare'' a non
finirci) secondo Francesca Pidone, coordinatrice del Telefono
Donna del Centro antiviolenza Casa della Donna di Pisa ,
criminologa e Giudice Esperto presso il Tribunale di
Sorveglianza di Firenze, oggi anche autrice di ''Amori
violenti'', vero e proprio manuale di autodifesa psicologica per
imparare a riconoscere, prevenire e contrastare la violenza
sulle donne, che Mursia, in occasione della Giornata
internazionale contro la violenza sulle donne, il 25 novembre
pubblica in ebook al prezzo speciale di 0,99 euro (poi sara' a
9,90; edizione cartacea dall'8 marzo).
''L'idea e' nata sul campo - racconta la Pidone all'ANSA - Da
noi arrivano situazioni gia' croniche, ma ci siamo chiesti: c'e'
un momento in cui un rapporto supera il limite tollerabile tra
legame affettivo e violenza? Quali sono gli indicatori? Perche' a
tutte puo' capitare di incontrare un uomo violento: diffondere la
cultura della prevenzione e' il modo migliore per evitare le
tragedie''.
Se i rapporti ''sbagliati'', come tutti i rapporti, nascono in
modo dolce, spiega infatti il libro, i germi della violenza
cominciano a mostrarsi quasi subito: isolamento, controllo,
aggressione verbale e poi fisica. ''La gelosia - spiega la
Pidone - viene confusa come segnale d'amore, il controllo per
cura e sostegno, la violenza per conflitto''. Un'escalation
sempre simile a se' stessa, che alterna momenti da incubo a
slanci di tenerezza, con numeri sconcertanti: nel 75% dei casi
chi esercita violenza su una donna e' il partner o un ex partner;
piu' del 90% delle vittime non denuncia, pure se una su tre dopo
le botte subisce anche violenza sessuale. E solo il 18,2% delle
intervistate riconosce la violenza in famiglia come reato.
''Il problema e' innanzitutto culturale e non e' solo italiano
- prosegue la Pidone - Dal 2007 (anno del rilevamento Istat e di
casi eclatanti come il pluriomicida Luca Delfino ndr) si e'
iniziato a fare molto, ma ancora e' difficile, ad esempio,
riconoscere il reato di maltrattamenti in famiglia. Se non si
cambia innanzitutto la concezione del ruolo dell'uomo e della
donna, non si puo' fare molto a livello di giurisprudenza. Per
fortuna oggi se ne parla molto di piu'. E' fondamentale, perche'
solo cosi' capisci che non sei sola, ne' l'unica.''.
Come il miglior manuale motivazionale, ecco allora le prime
due regole d'oro: ascoltare se stesse, perche' tutto cio' che fa
sentire confuse, stordite, scioccate e' sintomo che qualcosa non
va; e prestare attenzione alla reiterazione di episodi di
tensione o controllo compulsivo. Tra storie vere, indirizzi
utili, modelli cui ispirarsi, falsi miti e diritti da ricordare,
il libro aiuta innanzitutto a guardare in faccia e riconoscere
la violenza (da quella economica allo stalking fino alle
aggressioni fisiche) con le tre P da cui fuggire: Prepotenza,
Possessivita', Protervia.
''Non esiste l'identikit del perfetto aguzzino come della
perfetta vittima - riflette la Pidone - Un dato comune pero' e'
che spesso questi uomini, all'apparenza gentili e premurosi,
riescono a infilarsi in situazioni di isolamento e
vulnerabilita'. Ad esempio con chi ha appena avuto un lutto. A
queste donne bisogna dare le informazioni giuste. E ricordare

è su RUMORSCENA  di Roberto Rinaldi

STORIA DI AMORE E DI CALCIO

renzia.dinca

Pontedera. Una storia minimalista, strutturata su doppi scarti temporali (un'Italia del Sud in bianco e nero da neorealismo anni Cinquanta, un paesino sul mare di pescatori dominato dalla malavita, forse italiana (proiettato sul fondale), dove la prevalenza umana quasi assoluta nel plot narrativo (l’autore-attore Santeramo è in piedi davanti a un leggio), è di emigrati di e da diverse parti del Terzo e Quarto Mondo, tanto da poter essere catalogabile come un non luogo. Un impianto drammaturgico essenziale, giocato su continui passaggi di registro: dal quotidiano da Strapaese delle partite di calcio (però clandestine, e fra emigrati), al melò di un innamoramento fra ragazzi dal sapore esotico e fino ad uno stravolgimento dopo un climax e soprattutto un finale, che lascia intorpiditi e increduli. Eppure quanto di attuale sta dentro l'eco di questi Personaggi, di queste ambientazioni geo-politiche, volutamente- (e poi per nulla), vintage. La penna felice di Michele Santeramo punge forte in questo Storia di amore e di calcio, con ancora lui stesso nelle vesti di narratore, come lo era stato in altri suoi lavori recenti visti a Pontedera dentro la Stagione del Teatro della Toscana dove ha firmato i lavori: La prossima stagione, Il Nullafacente e fino all’ultimo Leonardo da Vinci. Solo sul palco, in una affabulazione convincente, completamente priva di enfasi, restituisce in scrittura ed in scena, un affresco della contemporaneità che magari non disturba, è gentile. Apparentemente. Almeno in un primissimo approccio di scrittura da affresco dal sapore di telenovela. Per poi lanciare strali durissimi e direttissimi, denunce esplicite verso crimini orrendi dentro uno spazio-vita forse concentrazionario o forse alla solita luce del sole, dove è legge il far west e dove vige la legge del taglione. Un trattatello semantico-drammaturgico che prende a calci (letteralmente e letterariamente), uno “ stato delle cose”. Quando la Parola-Killer che Santeramo gestisce assai bene, investiga su il bla bla bla del Mondo per affacciarsi alla finestra degli Ultimi, ben risuona per contrordine, l’orda degli imbecilli della Rete, in anticipo descritta da Umberto Eco. E così, un lavoro di scrittura e per la scena di primo acchito retrò, ci apparenta, e finalmente proviamo o riproviamo a capire, anche qualcosa di noi. Provate voi a parlare, oggi, con un tifoso sfegatato di una squadra di calcio, sia che sia la Vecchia Signora o una squadretta piccina italica periferica: sarete ricoperti di insulti perché la Squadra è, in Italia, come la Mamma: intoccabile. E qui Santeramo già prova a intaccare uno dei dogmi popolari italiani: il calcio. Per farne nella sua drammaturgia assai raffinata, un elemento di coesione (lo aveva fatto il regista Gabriele Salvatores in uno dei suoi film meglio riusciti Mediterraneo). Provate voi poi a intrattenere qualche vostra conoscenza sul tributo violento, che regaliamo a Persone ed anche Animali (figuriamoci all’Ambiente dove in questi giorni ettari di boschi secolari sono stati distrutti in tutto l’arco dolomitico), nel piccolo Mondo italico che ci circonda. Siano extra comunitari o donne, specie se straniere, chiunque fuori dai giochi, leggi: i diversi, gli irregolari. Ecco che le Donne, specie se straniere addirittura da altri continenti (sic!), possono occupare uno spazio-altro, quello del perturbante. Occhi in cui si sprofonda-scrive Santeramo e racconta la storia di un giovane che si innamora di una ragazza, innamorato per occhi in cui si annega. Perché innamorarsi è così. Ma qui il martello della lingua picchia. Picchia molto molto forte perché entra nella contemporaneità di una scrittura drammaturgica essenziale e tagliente. Dove, fuori, non c’è spazio. Né per l’amore né per la pietas né per la Comunità (la Patria è cosa altra). C’è solo e comanda la Bestia. Le musiche sono di Vito Palmieri che quest’anno alla Mostra cinematografica di Venezia, insieme a Santeramo, ha scritto la sceneggiatura del corto Il mondiale in piazza, due primi premi nella sezione MigrArti- la Cultura che unisce

Drammaturgia Michele Santeramo

con Michele Santeramo

regia cortometraggio Vito Palmieri

musiche originali Sergio Altamura

progetto video Orlando Bolognesi

costumi Chiara Fontanella

PRIMA NAZIONALE

Fondazione Teatro della Toscana

Visto al Teatro Era, a Pontedera, il 14 ottobre 2018

è su RUMORSCENA di Roberto Rinaldi

Yorick-un Amleto dal sottosuolo

renzia.dinca

In Yorick-un Amleto dal sottosuolo di Simone Perinelli, c’è un rovesciamento metaletterario: dove c’era protagonista Hamlet, il Prence di Danimarca c’è il suo doppio il Fool, il buffone di Corte o meglio il suo Teschio parlante. Dove c’era Amleto e tutta la sua vita letteraria e reale (sic!), si impone uno sprofondamento che è una mise en abime del contesto: Atto quinto, scena I. Perinelli ci aveva già un po' incantati colla versione in totale a solo di corpo-voce del suo Pinocchio e forse dava già fin da lì una indicazione formale per il suo lavoro: Amleto dal sottosuolo. In tutto il testo ed il suo esperimento, visto a SPAM.

In Yorick, Perinelli si slancia dentro uno spazio essenziale con microfoni e musicisti in presa diretta, in una performance insieme fisica e verbale di performance totale, coraggiosa e a tratti indigesta. Un pò come quando il troppo stroppia. Tuttavia convince questa performance dove l’aver dato voce al Fool, con tutte le implicazioni caratteriologiche del ghost –Hamlet. Certo dare voce a questo Pinocchio/burattino-Hamlet, con tutta la sua infantilissima percezione della Realtà, perché qui, almeno in Italia, di sicuro, sono saltate le trasmissioni trans-generazionali (e quanto c’è di reale, pesantissimo, in questa presa d’atto del presente). Yorick è un adolescente che come gli adolescenti nella cameretta sua, prova a provare la sua vita, la prossima. Da morto. Un bel lavoro.

PRIMA NAZIONALE

Produzione Leviedelfool

Drammaturgia e regia Simone Perinelli

Con Simone Perinelli

Musiche originali Massimiliano Setti e al violoncello Luca Tilli

Disegno luci e scene Fabio Giommarelli

Tecnico del suono Marco Gorini

Costumi Labàrt Design di Laura Bartelloni

Teatro Era- Teatro della Toscana con il sostegno di Pilar Ternera/Nuovo Teatro delle Commedie e ALDES/SPAM

renzia.dinca

FESTIVAL INEQUILIBRIO

FORMIDABILE PIER GIUSEPPE DI TANNO

Castiglioncello ( Livorno)

Un Uomo Ragno col viso coperto da una maschera  e una tuta in sexy latex rigorosamente black. Sta sopra una struttura leggera ad una discreta altezza fra cubo da disco e sospensioni da palestra modello coatti. Il suo corpo-macchina è perfetto, come anche la corrispondenza corpo-voce. Risulta stupefacente la  performance dall'alto di quel piccolo spazio di pochi centimetri quadrati rispetto alla prova vocale in cui si cimenta-in solitaria, nientepopodimenoché con Pirandello e i suoi Sei Personaggi in cerca d'autore. Lui è il settimo. Si perchè a lui è consegnata l'intera macchina da guerra-sintetizzata, dei dialoghi, didascalie,  implosioni, affioramenti di Personaggi (fra cui in particolare il Capo comico e la Ragazza), di e da riscrittura dell'intera drammaturgia pirandelliana per il lavoro: Sei. E dunque, perchè si fa meraviglia di noi?. Il lavoro originario era stato predisposto per il Festival di Chiusi per cui  erano state aperte  le selezioni per sei dei Personaggi, come da copione. Questo progetto è andato a monte. E ripresentato  ex novo allo storico Festival Inequilibrio di ARMUNIA, diretto per molti anni da Massimo Paganelli ed ora da Angela Fumarola e Fabio Masi a Castiglioncello. Ed ecco che nella  narrazione-tutta a prova atletica e ri-scrittura per un solo Personaggio(che ha trovato il suo Autore in Latini), l'attore performer Pier Giuseppe Di Tanno (diretto magistralmente dallo stesso Roberto Latini per la Compagnia Fortebraccio, musiche di Gianluca Misiti, luci di Max Mugnai), inscena un  canto ed il controcanto di una pièce che lascia lo spettatore senza fiato. Sì perchè la complessità dei piani narrativi anche meta-teatrali che si involvono e vanno a pescare nell'odierno generalizzato ormai ventennale mischiamento di generi di tanta cosiddetta avanguardia, lascia anche qualche perplessità, per esempio sul finale dove compare l'amletico monologo essere o non essere con tanto di gorgiera viola-blu sul collo del “Ragno” e poi quell'immersione dell'attore nella vasca con schiuma allo champagne da Marilyn Monroe che lascia un senso di horror vacui. tuttavia il piano di lavoro lascia lo spettatore incantato  e senza fiato per la capacità tutta artistica di ri-pensare e ri-attualizzare una tragedia che umana è e soprattutto non cambia di registro nella riscrittura, per la drammaticità dei temi pirandelliani di riferimento e tratteggia anche, forse, il tema della sofferenza psichica legata alla diversità, alla non omologazione con rimando alla complessità dei tempi. Compresa quella della riflessione sull'essere Attore sulla scena italiana, oggi. Questo tema ricorre nei momenti topici della narrazione: è come quando nel monologo tutto interiore esteriorizzato, quasi psicoanalitico tra la Figlia e il Padre, traslati in forma essenziale ma non ludica anzi, sulla  bocca-corpo Ragno dell' attore-io narrante, si apre una dimensione maschera tragica greca impressionante fra postura e gioco lessicale, mentre si dice del misfatto letterario, per poi lasciare spazio al respirare per prendere tempo- anche rispetto una prova fisica attoriale non indifferente. E qui  si apre l'orizzonte scena-luci sul retro-scena che si spalanca su un fondale bianco-torrido- atrofizzato, dove una macchina del vento restituisce un po' di movimento, di vita anche se immonda-che fa da eco alla narrazione. Un po' di frescura anche per il pubblico che è in cardiopalma per la tensione caleidoscopica dell'evento davvero di raro fulgore, e che in genere in quello spazio della tensostruttura dello spazio di Castello Pasquini con le sue appendici, a volte faceva  piegare dalla calura.  Notevole l'uso sinergico delle luci-come del sonoro, che segnano dal corpo allo spazio, i passaggi topici della narrazione mentre l'Attore si muove sulla postazione, come una scimmia in piena giungla da palcoscenico. In finale Di Tanno scende dalla postazione e si gioca gli ultimi minuti prima e dentro la vasca, mentre sono proiettate alcune parole-chiave quasi sottotesto del Testo e della neo ricerca laboratoriale di Latini fra le quali: vergogna-straziante-idea-azione- proteso- giocare- io- muoio- meraviglia- spegni. In loop. Lavoro criptico questo SEI, fin dal Titolo che trasporta  chiaroscuri metalinguistici e dal fortissimo impatto emotivo ed estetico.

ARMUNIA – Festival Inequilibrio

Produzione Fortebraccio

drammaturgia e regia Roberto Latini

con Pier Giuseppe Di Tanno

musica e suoni Gianluca Misiti

visto a Castiglioncello festival Inequilibrio, il 5 Luglio 2018

BEATITUDO o della Ricostruzione del Mondo

di renzia.dinca

PISA. Trent’anni del Teatro della Fortezza, un bel traguardo e prezioso per La Compagnia omonima diretta da Armando Punzo a Volterra in provincia di Pisa, che ha lavorato e lavora coi detenuti dentro le mura medicee del Maschi, il Carcere della città etrusca. Grandi festeggiamenti per lo storico anniversario al Teatro Verdi di Pisa (ne ha inaugurato la Stagione di prosa 2018/19 il direttore artistico Silvano Patacca), con una serie di iniziative come la mostra del fotografo Stefano Vaja, una lectio magistralis del regista alla Scuola Normale, corsi di teatro e incontri con le Scuole pisane. Dopo la messa in scena in prima assoluta e come di consueto dentro il Carcere volterrano del Luglio scorso Beatitudo (liberamente ispirato all’opera di Borges), costruito, giorno dopo giorno per molti mesi coi detenuti, esce, come da tempo accade, dal Carcere per approdare in diversi Teatri, dal locale spazio del Persio Flacco e poi in prima tappa al Teatro Verdi di Pisa, Teatro Lirico di tradizione per poi approdare a Milano Certo trent'anni sono tanti per un progetto teatrale e artistico, ma qui si tratta di una straordinaria Utopia, anche sociale, riconosciuta a livello internazionale, purtroppo ancora incompiuta rispetto ad un Progetto recente che prevedeva un Teatro Stabile in Carcere dentro la stessa Fortezza. Comunque e dopo aver visto Beatitudo, è vero e ancora vero, che dentro un universo concentrazionario di pratiche teatrali uniche nel loro genere, coraggiose e visionarie per tematiche rigore ideazioni innovative trentennali, si avverte e risplende sempre e ancora il mandato etico della poetica originaria di Punzo. Si intuisce in Beatitudo, la riflessione sulla ricerca critica dell’Artista a ciò che è fuori dalle Mura, nel mondo- un Mondo, quello di fuori, che bene non sta. E che di Utopia, dentro il carcere, dove la possibilità di vivere altri Mondi sembrerebbe essere negata ed invece, attraverso cultura studio e pratica teatrale, il riscatto c’è. E ce ne sarebbe anche un bisogno estremo fuori ed oltre la metafora (sic!) carceraria, dove dilagano distopie di muri, lager, espulsioni da parte di chi prova a includere (vedi modello Riace) e rigurgiti neo-nazisti nel nostro Paese e non solo.

La piazza di Pisa per la Compagnia della Fortezza è diventata consuetudine: già nel 1993 approdò al Verdi il lavoro di Armando Punzo Marat Sade, uno dei suoi lavori più riusciti. Radicale, eversivo, epico, transnazionale. Dopo aver lavorato per due anni su Shakespeare “contro Shakespeare”, in Dopo la Tempesta (visto anche al Verdi), una produzione che risale a due anni fa, in cui i Personaggi non davano scampo perchè Shakespeare non dà scampo come poeta e come drammaturgo (secondo Punzo), in Beatitudo, invece e cioè nell’Opera omnia di Borges, c’è l’anima opposta, quella che vuole ricostruire il Mondo, distruggendo da dentro i suoi personaggi, in quanto Borges è maledettamente contrario alla cosiddetta realtà. Perché la cosiddetta realtà non è unica. Ce la raccontano o ce le raccontiamo, le cosiddette Realtà. Forse oggi, sembra suggerirci Punzo, basterebbe cambiare o la gradazione di occhiali (si fa per dire) o mettere sul comodino e leggere qualche divulgativo testo di fisica quantistica (il fisico Carlo Rovelli, per esempio), oppure entrare dentro il buco nero dove vite di persone cose e animali del recente Nobel per le Onde Gravitazionali pisano Adalberto Giazotto, ci hanno predetto che siamo per cambiare prospettive sul Mondo

In Beatitudo, si respira uno spazio insieme forte e leggero di riscrittura multitestuale, per una operazione sulla carta (anche per la trasposizione che non poteva che essere molto diversa da quella del Carcere, dove la scena era completamente allagata, non restituibile in un Teatro di tradizione), non facile che poteva apparire di super-adattamento di una testualità di straordinaria efficacia letteraria ma di quasi impraticabilità teatrale e forse pure meta-teatrale. Affrontare Borges, l’immenso autore argentino, è stato un atto di fede estremo di Poesia Totale. Ne riscontriamo gli esiti, felici, che ricordano un po' nella traccia narrativa letteraria, il lavoro di e da Hamlice (che ha riempito Teatri Stabili da Prato a Milano), dove sembra davvero che le avanguardie novecentesche con la migliore storica visione, anche fantasmagorica, totalmente visionaria del Realismo magico dell’Autore argentino, siano state deflagrate da Punzo, in un sapiente distillarsi tra pensiero e azioni individuali e corali. Dopo molti lavori su Shakespeare, spesso violenti, come da drammaturgie del Bardo, qui Punzo ha interrogato i Mondi letterari di Borges. Una svolta. E se ne riscontrano gli esiti in scena. Mentre nello spazio totale del Verdi ancora e ancora i Personaggi-Totali, cioè Maschere Ancelle Vecchi Bibliotecarie Primitivi belanti, coprono l’intero spazio teatrale della Platea, nella cavea i musicisti- percussioni e batteria, eseguono dal vivo su musiche originali scritte direttamente sulla scena da Andrea Salvadori, commentano testi di Borges letti in prima persona dallo stesso regista statico in piedi davanti ad un semplice leggio. Sulla scena un succedersi di Personaggi fantasmagorici introdotti da una sorta di Coro tribale che corre e urla dotato di aste flessibili in lunghissime canne di bambu che fa da siparietto a comparizioni di figure immaginifiche, tratte dai testi di Borges- con sottotesto macro drammaturgico la Biblioteca, vita-sacrario del genio argentino, ma in leggerezza. La narrazione visiva sul palco è estremamente lenta e dove poco accade. Tutto è dominato dagli esiti psico-simbolici delle Parole delle poesie lette da Punzo. Per immagini rifratte rispetto alla scelta dei testi di narrazione. La testa mozzata portata in scena ad effetto cinematografico è quella del Minotauro. Il Bambino-un doppio di Punzo che assiste da seduto sugli scalini fra cavea e palco, si porta sulle spalle il carico della Palla Mappamondo-Mondo in una sorta di transfert Padre- Figlio. Un macro reading dove testualità e musica accendono vicendevolmente suggestioni metafisiche oniriche e anche un po' medianiche. Con qualche risvolto misticheggiante alla Jodorovski. Perché Punzo esordisce con i versi Tutto accade qui per la prima volta (tratto da Poesie- La cifra). Perché tutto si rincorre niccianamente, ad anello. Nella città di Pisa che ha dato i natali allo scrittore di Piazze d’Italia e di Sostiene Pereira Antonio Tabucchi, da poco prematuramente scomparso a Parigi ed in odore di Nobel, traduttore di Pessoa, che del Realismo magico sudamericano è stato mentore, Beatitudo è anche un omaggio alla città di Pisa, alla sua storia, e a chi ha creduto ben più di trent’anni or sono, alla scommessa di Carte Blanche di Armando Punzo e Cinzia De Felice.

Compagnia della Fortezza

Beatitudo ispirato all’opera di Jorge Luis Borges

Drammaturgia e regia di Armando Punzo

Musiche originali e sound design Andrea Salvadori

Scene Alessandro Marzetti e Armando Punzo

Costumi Emanuela Dall’Aglio

Movimenti Pascale Piscina

Produzione Carte Blanche e TieffeTeatro

con il sostegno di MIBACT-Regione Toscana-Comune di Volterra-Comune di Pomarance-Fondazione Cassa di Risparmio di Volterra- Ministero della Giustizia C.R. Volterra

Visto al Teatro Verdi di Pisa, il 7 ottobre 2018

BELVE- una farsa

renzia.dinca

Prato. Ci sono alcune discrepanze fra ciò che Massimiliano Civica scrive nelle note di regia individuate come obiettivi del suo nuovo lavoro Belve andato in scena in prima assoluta al Metastasio di Prato (dove da poco è diventato anche consulente artistico) e ciò che ci sembra di aver recepito nel corpo a corpo della visione della farsa- che così recita il sottotitolo dello spettacolo, qui dando già una primissima dritta sul contenuto che andremo a vedere. Civica ci ha abituato a messinscene rigorosissime dove le competenze attoriali sono messe in primo piano sotto una direzione severa, con un mandato che rispetta le finalità del genere che vuole rappresentare. Così il genere comico in Dialoghi degli dei coi Sacchi di Sabbia, così nel più recente Quaderno per l'inverno (premiato con ben due prestigiosi UBU nel 2017). In questo lavoro il regista è di nuovo affiancato dal drammaturgo napoletano con cui aveva conquistato la critica dell'UBU e anche tanto pubblico: Armando Pirozzi a cui ha commissionato Belve- una farsa. Farsa: un genere poco praticato sulle scene del nostro Paese dove si è per consuetudine preferito proporre al pubblico commedie o drammi. Ci sono esempi in De Filippo e comunque dentro un filone dialettale ma la tradizione è soprattutto d'oltralpe con copioni fra i più noti, in Moliere e Feydeau. Quella che si era posto Civica sulla carta era una sfida di non facile realizzazione: commissionare al proprio Autore di riferimento la scrittura ex novo di una farsa moderna sul tema dei soldi e del potere, che di questo si tratta in Belve. Tema di grande attualità qui pensato da Pirozzi come una guerriglia in forma di lotta di classe che della lotta di classe ha ben poco ed infatti non si vuol dare nessun segnale che possa far intendere l'ascesa o il tentativo di presa del potere di subordinati rispetto ai padroni. Nella guerriglia fra le due coppie: quella formata da Giocondo e Giorgetta, ricchi imprenditori e quella formata da Betta e Pippo coppia giovane a rischio povertà a causa della famelicità dei vincenti vicini, non si vuole mettere in scena niente di politico ma solo caratteri e non da commedia dell'arte ma statica constatazione - fotografia impietosa della rigidità che contrassegna le differenze fra classi sociali, divise dalla nascita e dal censo e non miscibili. In fondo al plot drammaturgico infatti, l'agnizione risolve il conflitto che si fa a tratti grottesco, a tratti surreale rivelando che solo in una soluzione fantastica quanto inverosimile nella realtà si possa modificare qualcosa del già dato (in questo caso le differenze sociali) e questo finale è nella logica del mutatis mutandis.

La solida struttura pensata e drammatizzata da Pirozzi rispecchia i canoni scolastici del genere farsesco, contaminato però da altre forme di teatro: è in scena una cena a base di cozze organizzata dalla coppia più giovane intenzionata e far fuori per la seconda volta con veleno per topi i due anziani: lui commendatore calvo e segaligno già sopravissuto miracolosamente al primo tentativo malriuscito, lei buffissima arpia over size dalla risata oscena ed agghiacciante. Durante la cena Betta e il marito sono visitati da un caleidoscopico vortice in ingresso ed in uscita di improbabili personaggi fra il circense e la gag da sit com, un vescovo con prete, un killer dj che ha venduto 30 copie di dischi suoi di cui 29 ai famigliari, due poliziotti cow boy sgarruppati. Il finale riserva sorprese e tutto finisce in happy end. Tornando al mandato che si era imposto Civica nell'esperimento della messa in scena della farsa Belve alcune annotazioni: il testo rispetta la struttura canonica di genere e così anche l'attualizzazione tematica. Il cast attoriale scelto da Civica è di alto livello, sono rispettati i ritmi, le pause, la conduzione della fisicità per strappi sulla scena fissa, c'è il rigore e tempi tecnici misurati. Tuttavia qualcosa non ha funzionato. La macchina si è imbrigliata dove l'ostacolo maggiore è stato proprio quel moto alla risata che nel pubblico del Metastasio è stato piuttosto scarso. Si ride sì ma sporadicamente e a denti stretti. La sensazione è che la densità della scrittura drammaturgica di Pirozzi, ricchissima di riferimenti metatestuali messi in bocca ai diversi personaggi- fra cui riferimenti alla funzione della critica, il suo lavorio trasversale a quello della rifacitura attualizzata farsesca con inserzioni dalla pochade al vaudeville senza grossolanità, insomma una responsabilità da esercizio di stile, abbia ingabbiato un po' la scrittura. Questo forse, insieme all'eccessivo strizzare l'occhio a macchiette televisive un po' scontate, non abbia fatto presa su un pubblico smagato o forse abituato ad altre tipologie di scritture per la scena, magari più versatili, se questo era il mandato, al muovere al riso.

Belve- una farsa

di Armando Pirozzi

uno spettacolo di Massimiliano Civica

costumi Daniela Salernitano

luci Roberto Innocenti

con Alberto Astorri, Salvatore Caruso, Alessandra de Santis, Monica Demuru, Vincenzo Nemolato, Aldo Ottobrino

produzione Teatro Metastasio di Prato

con il sostegno di Armunia Centro di residenze artistiche- Castiglioncello

PRIMA NAZIONALE

Visto a Prato, Teatro Metastasio, il 22 Aprile 2018

renzia.dinca

Pontedera ( Pisa)

Questa è una storia di vite intrecciate in labirintiche alchimie. Che hanno fatto un pezzo importante di Storia del Teatro italiano ed internazionale. Vite vissute, intense, di passione estro determinazione e un po' di sagace follia. E' la storia di una coppia, nella vita e in scena: Giovanna Daddi e Dario Marconcini, figure storiche del Teatro toscano e nazionale. Ma è anche un affresco collettivo di un territorio e di un'epoca: il territorio è quello di Pisa e della sua provincia che confina ad est con quella empolese e prima ancora nel tempo, fiorentina. E di una stagione quella post Sessantotto, che nella città della Torre pendente ha avuto esiti di forte segno culturale politico e sociale tanto quanto il Sessantotto a Parigi, a Roma, quello tedesco e quello californiano. Ispirati dal Living Theatre di Julien Beck e Judith Malina per poi passare al sodalizio con l'Odin Teatret di Eugenio Barba e la residenza internazionale di Jerzi Grotowski (che ha partorito l'esperienza attuale di Mario Biagini e Thomas Richards), Daddi e Marconcini sono stati coppia del gruppo fondatore del Teatro di Pontedera poi CSRT (Centro di sperimentazione e ricerca teatrale) e ad oggi confluito nel Teatro Nazionale della Toscana con il Teatro della Pergola di Firenze. Con loro altri giovani fra cui Roberto Bacci e Carla Pollastrelli. La coppia si è poi staccata dal gruppo pontederese per dirigere il Teatro di Buti, un teatro all’italiana scrigno di stucchi e velluti sulle colline fra Pisa e Lucca dove hanno creato uno dei centri di produzione e ricerca teatrali fra più interessanti del nostro Paese. A Buti hanno accolto e prodotto una lunga stagione di spettacoli da Pinter a Beckett a Peter Handke e ospitato un artista come Jean Marie Straub.

Nel nuovo lavoro di Roberto Bacci, da sempre direttore artistico della esperienza pontederese che qui si relaziona in multipli ruoli: regia, co-drammaturgia, scenografia e costumistica nonché ideazione del progetto (in Prima nazionale all'interno delle produzioni del Teatro della Toscana), molteplici sono i segni sia nella tradizione che nel tentativo di nuovo. In scena la coppia, con quattro attori, si cimenta in un non facile filo narrativo in cui entrano pezzi di vissuto della scena e della vita, sessant’anni di storie intime e pubbliche: un caleidoscopio di parole immagini suoni emozioni azioni, uno zoom fra il privatissimo delicato rapporto a due dentro le mura domestiche fatto di memorie, carezze, viaggi, cartoline, progetti, oggetti feticcio e il fuori che è quello della scena praticata per un’intera vita, quella del palco. In Quasi una vita, però, non c’è traccia di facile biografismo ma una quintessenza di sapori umori schegge di autentica poesia. Al centro della scena c’è una porta con doppia apertura. Se si apre da una parte si chiude dall’altra. A scena aperta Giovanna è seduta su una panchina accanto a Dario mentre l’incipit del discorso drammaturgico si apre con una frase che sembra una didascalia: c'era una volta una ragazza… Ma niente è di troppo in questo lavoro che dà attribuzione di segno e significato ad una coppia che ha letteralmente cambiato e rinnovato il senso e l’obiettivo dell’attuale Teatro toscano e nazionale

La scena passa direttamente alle parole di Pinter, uelle di una micropiece- Night (di recente rivisitata anche da Binasco in Night bar), un autore amatissimo da Giovanna e Dario, proposto proprio nelle sue drammaturgie più scarne e proprio per questo graffianti al Teatro di Buti, in cui una coppia rimemora il loro primo incontro erotico. La narrazione della donna e dell’uomo, non combaciano. Perché così è la memoria. Così l’eros. Così è la differenza fra il femminile ed il maschile nel corpo e nella psiche. Non per caso si parte da Pinter, questo Pinter in particolare, per poi trapassare ad un altro cavallo di battaglia della storia delle scelte artistiche che hanno fatto la macrostoria delle stagioni butesi, questa volta caro a Dario, il Faust di e da Goethe. I quattro attori- fra cui Silvia Pasello in abiti cechoviani (Silvia in conferenza stampa ha dichiarato: per me Giovanna e Dario sono il mio modo di pensare il Teatro), come gli altri, eleganti da messinscena di Giardino dei ciliegi tuttavia diafani quasi fantasmi, hanno funzione di appoggio rispetto alle azioni della coppia. E’ come se sostenessero i due attori e sposi ad affrontare i diversi temi in ballo: l’amore, la malattia, il viaggio, i ricordi, il senso dell’esistenza nella vita quotidiana e nel lavoro del palcoscenico nelle domande dai sapori shakespeariani: cos’è la vita?, cos’è l’attore? fino al tema heideggeriano per eccellenza: il senso della vita come specchio dell’unica possibilità per cui tutte le altre sono rese possibili, il tema della Morte, che sottende il focus dominante dell’intera pièce, che non a caso ha per sottotitolo Scene dal Chissàdove. Si perché per tutto il lavoro l’impressione è quella di assistere ad un pensiero che sta come sospeso fra il sonno e la veglia, in uno spazio ipnagogico fluttuante come ben illustra quella porta che si apre e si chiude su se stessa imprigionando corpi e pensieri dentro universi paralleli, dentro leggi fisiche dove vita e coscienza si sfiorano in luoghi tra l’onirico ed il metafisico. Via via che si snoda il plot narrativo il focus si allarga in una scena dove Dario è disegnato sul volto da un ragazzo (Tazio Torrini, prima diavoletto nella scena del Faust) con la biacca: e lo trasforma in una maschera da triste clown o forse in un malato terminale faccia a faccia col trapasso. Il finale si chiude ad anello. I diversi passaggi dove i temi sono il timbro che segna questo bel lavoro che è messinscena teatrale ed anche doveroso omaggio alla coppia, sono ben collegati fra loro come pensati da cesello dentro un flusso di coscienza individuale e relazionale.

Niente è di troppo in questo lavoro per la scena che dà attribuzione di segno e significato ad una coppia che ha letteralmente cambiato e rinnovato il senso e gli obiettivi artistici di un pezzo importante di storia del teatro di un territorio che molto ha dato al Teatro di ricerca nazionale e internazionale fino al contributo più recente, quello all’attuale Teatro toscano e nazionale.

QUASI UNA VITA- Scene dal Chissàdove

drammaturgia Stefano Geraci e Roberto Bacci

regia scene e costumi Roberto Bacci

con Giovanna Daddi, Dario Marconcini, Elisa Cuppini, Silvia Pasello, Francesco Puleo, Tazio Torrini

interventi sonori a cura di Ares Tavolazzi

luci Valeria Foti

Produzione Teatro della Toscana Teatro Nazionale

PRIMA NAZIONALE

visto a Pontedera il 16 Aprile 2018