renzia.dinca

Delitto e castigo

Prato

Cimentarsi in una translitterazione per le scene di un capolavoro della letteratura russa e mondiale come Delitto e castigo, sprofondare dentro la voragine psico - filosofica  dei temi tragici  trattati in forma sublime da uno degli scrittori più complessi tormentati e se vogliamo anche contorti dell'Ottocento come Fedor Dostoevskij, vuol dire confrontarsi e scontrarsi coi mostri che albergano dentro il condominio della psiche umana. E' proprio nella naiveté  e nella betises consanguinea del russo  così però capace di controllare con sapienza letteraria e narrativa la densità sorgiva delle emozioni più ferine che attraversano i personaggi ciclopici a cui ha dato vita nella sua mente titanica, il  difficile compito che si è prefisso nell'adattamento e nell'operazione di regia-molto liberamente tratta da, del moscovita Konstantin Bogomolov. Il regista russo ci ha regalato 120 minuti di spettacolo senza interruzione di forte coinvolgimento emotivo mettendo alla prova attori e pubblico  a confrontarsi con suggestioni di azioni, monologhi, spostamenti di spazio e senso in scena e fuori scena, stupendo con qualche provocazione, in una operazione di sottile intelligenza registica e corale riscrittura di scena. Fede da pogrom versus pietas, violenza cruda contro delicatezza, sessualità ambigua, gioco di potere gratuito, sublime e marcio (è stata definita in Dostoevskij letterariamente poetica del caos), tutto si tiene dentro una rappresentazione che attraverso il delinearsi dei personaggi dal Raskol'nikov, l'assassino alla prostituta Sonja che vorrebbe redimerlo, al poliziotto corrotto lascivo, al magistrato, alla stessa vittima a sua volta usuraia, tutto descrive e anche riscrive un'umanità che ha molto di contemporaneo e che non necessariamente arriva alle pagine di nera dei nostri quotidiani ma che potrebbe ben descrivere i tinelli borghesi dei vicini della porta accanto, sì proprio quelli delle nostre realtà urbane occidentali dove il sesso come l'ipocrisia, gli istinti più bassi ammantati da perbenismi di maniera convivono in atmosfere maleodoranti. L'ambientazione modernizzata che ne fa il regista è resa sulla scena da uno spostamento di almeno cento anni rispetto alla stesura del classico letterario: un salotto piccolo borghese anni Sessanta-Settanta del Novecento, tre video identici sullo sfondo, un quarto più arretrato sopra un comò. Raskol'nikov non è l'attempato studente del romanzo ma un giovane nero della mole  e l'indole del Grande Lebovski dei fratelli Cohen. La sua famiglia è composta da madre e sorella parecchio svaporate che entrano a suon di musica disco ed abiti etnici nella scena  del delitto. L'assassinio della vecchia è appena accennato  in scena e da qui si snodano le vicende conseguenti all'azione violenta che è il casus belli da cui si snoda il plot. Bogolomov riesce a condensare personaggi e vicenda narrativa conservando il sapore acido che domina i cluster dei personaggi conducendo una disamina degli animi e dei comportamenti dei diversi  soggetti che si agitano dentro i propri spettri emozionali in cui la componente nichilista  e cinica è la dominante. I dialoghi sono netti, i monologhi dei protagonisti soli in scena sono a volte lunghi, specie nella seconda parte dove un po' ci si perde in attenzione, ma la capacità di riportare tutto dentro il flusso del processo narrativo  e quindi drammaturgico è ammirevole e coraggiosa anche data la bravura dei singoli attori. Il regista del resto è un profondo conoscitore delle opere di Dostoevskij  di cui vanta due regie tratte dai capolavori quali I Fratelli Karamazof e L'idiota. In questo adattamento Bogomolov si fa ardito nella trasfigurazione del personaggio di Raskol'nikov per la pelle scura,  anche nella fantasiosa variante dell'inserimento sulle  note di Mahler di un Tadzio nero in forma di manichino. Le polemiche che hanno preceduto la visione pratese – a Ravenna lo spettacolo è stato contestato da alcuni gruppi cattolici, ci pare fuorviante e pretestuosa. Nel lavoro di Bogomolov di sesso esplicito non solo non c'è traccia- vi è mimazione fisica  senza nudo alcuno-anzi, accompagnata da vocalità microfonate, ma neanche c'è sentore di blasfemia rispetto ad un crocefisso che  scende dall'alto nei momenti di potenziale massimo climax dentro la spiazzante impossibile peraltro conversione forzata di Raskol'nikov. si è vero il  Cristo è lievemente  sessuato o forse androgeno?  e allora? abbiamo visto  i nostri figli e nipoti spettatori di ben altro e molto esplicito in cinema, teatro e  soprattutto TV di Stato e non, anche in orari di fascia protetta. Quando ci si confronta con scrittori della potenza fantasmatica di un Dostoevskij, oltre che andare a teatro - che comunque a teatro ci si va per scelta e si paga anche il biglietto, sarebbe opportuno riflettere  sulla potenzialità espressiva  di uno scrittore che dà i brividi come un Dostoevskij o un altro grande russo come Tolstoj, profondi conoscitori dell'animo umano e delle oscure passioni che possono dilaniare vite e coscienze. Senza scomodare Chiesa  cattolica, diavoli e acquasantiera. Come non pensare agli echi delle parole dette pochi giorni fa da Papa Francesco sulle prostitute e i loro clienti?

Delitto e castigo

di Fedor Dostoevskij

adattamento e regia Konstantin Bogomolov

traduzione Emanuela Guercetti ( Einaudi)

scene e costumi Larisa Lomakina

con Anna Amadori, Marco Cacciola,Diana Hobel, Margherita Laterza, Leonardo Lidi, Paolo Musio, Renata Palminiello, Enzo Vetrano

produzione ERT

visto a Prato, Teatro Metastasio, il 16 marzo 2018

Acqua di colonia, un modo per capire che gli italiani non sono affatto brava gente

Cultura | 20 marzo 2018

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Più informazioni su: Colonialismo, Neocolonialismo, Teatro

Federico Mascagni

Lavoratore nella comunicazione

Post | Articoli

Daniele Timpano è un autore di teatro politico della nevrosi, dell’insofferenza, dell’eccezione. Tutto gravita, mi sembra, attorno al dato generazionale. Timpano appartiene a quelli nati negli anni ’70, investiti dalla deflagrazione della politica fatta di radicalismi violenti, convergenze parallele dorotee, cortei infiniti, infiammati monologhi sindacali, genitori zii fratelli impegnati fra piazze e salotti, qualche morto.

In questa confusione vista con gli occhi dei bambini che registrano emotivamente ogni piccolo segnale tellurico si aggiunge il trionfo del media televisivo e della cultura pop, soprattutto attraverso il primo avvento, pervasivo, della tecnologia nell’immaginario. I robot giapponesi, le guerre stellari, i primi giochi elettronici. Un’anticipazione stroboscopica del mondo industriale quattro o cinque o sei punto zero che deve arrivare, che forse è già arrivato, che insomma non si capisce se ci stiamo già convivendo e se Terminator sarà il nipote violento dei bracci meccanici industriali. Se poi considerate che questi bambini crescendo hanno dovuto confrontarsi per primi con un mostro enorme e peloso chiamato precariato, capirete che l’equilibrio nervoso di questa sfortunata generazione è stato messo a dura prova. Che insomma se poi uno è un po’ esacerbato qualche ragione ce l’ha.

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Ho provato a darvi l’idea in estrema sintesi del mondo iper-referenziale di Daniele Timpano permettendomi di condividerne il senso di frustrazione e l’energia senza sfogo destinata all’implosione. Questa interpretazione del mondo sempre in tensione ritengo sia la base del suo teatro, della sua ricerca destinata a non trovare mai una risposta alle domande perché il senso di tutto è nell’espressione. E se Timpano non dovesse essere d’accordo è lo stesso, perché il suo linguaggio, la sua fisicità, il suo teatro, ogni volta che vanno in scena appartengono a tutti i drop-out.

Se avete letto fin qui e compreso uno stato d’animo, non pretendo la condivisione, passo a raccontarvi Acqua di Colonia, lo spettacolo di Frosini e Timpano che ho visto al Teatro ITC di San Lazzaro, Bologna. Acqua di Colonia è una lezione sul colonialismo italiano, che è stato violentissimo. Perché gli italiani non sono brava gente. Mentre alcuni tedeschi per dire covano il nazionalsocialismo nel silenzio di un senso di colpa istituzionale, molti italiani sventolano disinvolti il loro fascismo nei piccoli gesti quotidiani. E’ generico, lo so. E’ grottesco.

Ma questa è la risposta di Timpano che sceglie di appropriarsi del linguaggio politicamente scorretto per ritorcerlo contro i qualunquisti che lo brandiscono come clava argomentativa (ne potete trovare tanti nei commenti “social”), restitunedoli in tutta la loro sgradevolezza. Frosini e Timpano ritraggono gli italiani alternando dialoghi che aderiscono al sentito dire, a un presunto buonsenso, alla retorica pomposa e idealista su un Paese che semplicemente non esiste. Creano deliranti macchiette di stolidi politici che credono di provocare con iniziative revisioniste, di intellettuali di estrazione borghese che ritraggono il popolo (qualsiasi cosa sia oggi) come una specie da preservare.

Elvira Frosini indietreggia sul palco passo dopo passo in una linea ideale a ritroso nella Storia: il colonialismo è nato quando il potere, questa cosa che logora chi non ce l’ha perché lo umilia e lo schiaccia, è diventato invadente, e quindi prescinde dall’Africa, passando per i Savoia che si inventano l’Italia, per l’avidità crudele della Spagna e del Portogallo, per il sogno infantile e delirante di Alessandro Magno.

Colonialismo è tante cose. E’ paternalismo che manifesta presunzione. E’ interesse economico travestito da solidarietà. E’ simpatia che nasconde appetiti. Quello che emerge da Acqua di Colonia è un paradigma che vale per qualsiasi contesto: c’è stato, c’è e ci sarà sempre un uomo vestito di bianco con un panama in testa a comandare “un negro” col gonnellino di paglia. L’importante è depistare, confondere, censurare, dimenticare, perfino blandire per mantenere lo stato di fatto. Fino alla prossima colonizzazione.

Foto tratta dalla pagina Facebook della compagnia Frosini/Timpano

M 2

Vorno (Lucca)

Il gruppo romano Dynamis  aveva già proposto dentro lo spazio della Tenuta dello Scompiglio diretto da Cecilia Bertoni nel programma primaverile 2017: ID, un lavoro di forte impatto psicologico interattivo mettendo in primo piano la relazione attore-spettatore unico, partecipante attivo sul tema dell'identità individuale e sociale con esplicita connotazione rispetto  le identità sessuali e di genere. Di nuovo si ripresenta nello stesso spazio di straordinaria bellezza, oasi naturalistica che accoglie ospitalità internazionali fra svariati territori di arte e contaminazioni nei pressi di Lucca, questa volta con M2 (il due è in alto piccolo  a destra  rispetto alla cifra M, in matematica quindi è un due al quadrato). Il lavoro è frutto di un laboratorio coi migranti,  rifugiati politici, che si è svolto a Roma nel 2015, quindi prima dell'avvento della Raggi Sindaca. E guarda caso a  fine spettacolo, abbiamo visto un insegnante di lingua Italiana che lavora nel territorio  toscano, con un gruppetto di  ragazzi di colore in inserimento, che erano e come noi, fra il pubblico a commentare tra loro quanto visionato. In M2 dei Dynamis (nato in residenza ad Armunia a Castiglioncello), il lavoro si sviluppa  su un palco che è semplice pedana, dove un attore Francesco Turbanti, delimita con tanto di nastro adesivo-comunemente usato sul set teatrale ed anche televisivo, mentre chiede  al pubblico se la delimitazione- i due metri per due che sta segnando nelle quattro linee di quadrato perfetto, sono o non dritte. E da qui parte la performance. Entrano sette persone (volontari fra il pubblico che ha accettato la partecipazione attiva fin da prima lo spettacolo). Una voce fuori campo quella di Dalila Rosa inizia a dare indicazioni al gruppo dei  sette su come collocarsi all'interno del quadrato magico. Sembra partire un gioco di squadra, quasi da laboratorio teatrale dove le persone interagiscono in sintonia a rispondere col corpo-mani braccia gambe piedi, alle richieste della voce fuori campo che detta le regole del come posizionarsi all'interno del quadrato magico ed in non facile equilibrismo costretto e  dato lo spazio ridotto per sette corpi  anche di diverse moli e  non tutte leggere. Intanto sullo sfondo è proiettata l'immagine di un mare solo apparentemente rassicurante. Dal gioco da ragazzi ben presto si passa a ben altro scenario. Ben presto si scopre che quei corpi giocosamente in bilico tra esperimento laboratoriale e gioco-finzione sono corpi-cavie in rappresentazione di un tragico percorso di chi quel mare da cartolina sullo sfondo lo attraversa dentro lo spazio asfittico, da  concreta prigione, delle carrette del mare- che qui  e nella realtà di chi l'esperienza la racconta sulla propria pelle, taxi non sono. E così quegli oggetti disposti fuori dal quadrato: un cellulare, le stesse scarpe lasciate fuori dai giocatori-attori, si trasformano in oggetti da incubo, da film dell'orrore. Così il giocatore Francesco Turbanti che all'inizio sembra essere una sorta di co-autore delle azioni che si svolgono all'interno dello spazio circoscritto, che incita a giocare ma da fuori lo spazio dei giocatori, si trasforma in aguzzino con tanto di manganello che si spende in una danza macabra. Una metafora del traghettatore che si offre da ospite che accoglie per poi  trasformarsi in carogna che sfrutta. Un lavoro che dà da pensare  questo di Dynamis diretto da Andrea de Magistris, e che potrebbe evolvere in qualcosa di ancora più denso, duro ed efficace.

M2

ideazione e realizzazione Dynamis

con sette volontari e Francesco Turbanti

voce Dalila Rosa

Progetto sviluppato in laboratorio teatrale per rifugiati politici a Roma nel 2015

Produzione Teatro Vascello – Centro di Produzione Teatrale  la Fabbrica dell'Attore in collaborazione con ONLUS Asinitas

Visto a Vorno (Porcari-Lucca), alla Tenuta dello Scompiglio, il 25 febbraio 2018

AMORE

renzia.dinca

Prato. Trattare il tema  dell' Amore e  della Morte (ci ha provato Giacomo Leopardi  con molte sue poesie in particolare  quella che  ha proprio questo titolo), è quanto di più complesso e quindi potenzialmente  a rischio del banale si possa concepire  rispetto ad un impulso di scrittura che si trasformi in poesia o narrazione e quindi anche in drammaturgia per la scena. In questo  lavoro della Compagnia  Scimone/Sframeli, Premio Ubu 2016 come migliore novità italiana, come progetto drammaturgico e come allestimento scenico, la risultante è un delicato affresco minimalista che ben rappresenta una operosa ventennale cooperazione artistica di teatro innovativo della compagnia messinese. Ciò che più colpisce durante la visione del lavoro, è la marcata connivenza con l'attualità e la  distopia di cui si fa voce nel copione, dove si delineano  quattro personaggi o meglio due coppie, donna e uomo anziani, insomma vecchi a fine vita, lui non in salute, lei che l'accudisce, nella sua ingessata specialità  femminile di   madre-moglie  fra infermiera e badante.  Dall'altra una coppia  per antifrasi,  uomo-uomo in stato professionale che irrompono in scena a sirene spiegate perchè uomini in divisa- il comandante e il vigile del fuoco,  dove l'uno è deposto su un  carrello di supermercato  spinto dall' altro – due uomini  in azione che salvano le vite degli altri, magari arrivando col carrello della spesa (sic!). A poco a poco si rivela nei diversi quadri il paradosso nel paradosso, segnato dalla scrittura per la scena, fissa, di Lino Fiorito: tutta l'azione si svolge in un  cimitero. Per epifania e velocemente, ma coi tempi giusti del Teatro, ci troviamo infatti a  osservare  ed auscultare, due storie  allo specchio, due storie di coppie che si auto-narrano su letti-tombe (un  tema crepuscolare se non  dannunziano ma che ricorda per associazione il Dylan Thomas di Sotto la foresta di latte), due intrecci descritti con penna niente affatto irriverente anzi quasi dolente, rispetto a tematiche così attuali. Pensiamo per esempio al testamento di coppie etero non sposate ufficialmente, ancora e ancora  con il non riconoscimento di coppie di lunghissimo corso omosessuali che si devono nascondere  alla cosiddetta buona società, e magari fino alla morte-specie se in divisa (questione adesso superata, forse, ma da pochi mesi con la legge Cirinnà). I dialoghi non dialoghi- quasi monologhi per un solo attore- l'altro della coppia,  avviene su letti a due piazze di due coppie così apparentemente diverse nella convenzione sociale, letti appaiati sul letto che poi si fa bara e sembrano giungere da conversazioni tra  veglia e il sonno prima di dormire. Tra echi di ricordi, memorie, traslazioni di senso, battute che ripetono l'ultima parola o il senso medianico che sempre riguarda e contestualizza il discorso interno fra le coppie di lungo corso. Peccato che questi lacerti di comunicazione umana intima trattino di ciò che si è dissolto o sta per dissolversi: la vita terrena.  Insomma un corto circuito di segni che porta e sposta il pubblico  dentro uno stato d'animo insieme di inclusione catartica e stordimento. Per vasi comunicanti di percezione scatta il meccanismo della riflessione su un altro tema politico di enorme impatto sociale. La pratica intesa come Cultura- ed in questo spettacolo: la poetica, della buona morte. Che ancora in questo Paese dilaniato da ben altre barbarie che si sta sempre più imbevendo di pratiche mortifere di odio sociale dove gli un contro gli altri armati sono i singoli individui, anche dentro le famiglie- vedi femminicidi, non c'è. Molto interessante  questa scrittura, oltre la scena.  Dove il letto coniugale – che sono due paralleli ma non opposti si, trasformano in  bare. Veramente straordinario il progetto.

 AMORE di Spiro Scimone

regia Francesco Sframeli

con Francesco Sframeli, Spiro Scimone, Gianluca Cesale e Giulia Weber

scene  Lino Fiorito

disegno luci Beatrice Ficalbi

produzione Compagnia Scimone Sframeli in collaborazione con Theatre garonne Toulouse

Visto a Prato, Teatro Fabbricone , il 12 Novembre 2017

Night Bar: quattro atti unici alla Pinter secondo Binasco

renzia.dinca

Niente di nuovo sotto il sole, così recita un vecchio proverbio che può valere anche per le scene teatrali quando un Autore dai classici ai contemporanei è saccheggiato per la miniera di spunti interpretativi che la sua scrittura offre. Ma quando un autore Premio Nobel come Pinter è studiato e reso per il palcoscenico da un regista come Valerio Binasco con una attrice e due attori: Arianna Scommmegna, Nicola Pannelli e Sergio Romano, allora il detto popolare si arricchisce di senso per essere superato. La scelta di regia cade sul trattamento di quattro micro pieces Il Calapranzi (1957), Tess ( 2000), L'ultimo ad andarsene (1959) e Night (1969). Il focus del regista rispetto a questi microtesti pubblicati e antologizzati a così tanti anni di distanza l'uno dagli altri (quasi cinquanta), potrebbe creare un po' di dubbi, insomma una sorta di corto circuito rispetto all'intera operazione, così almeno sulla carta da una prima lettura del programma di sala. Binasco scioglie la riserva, abbinando con estrema cura formale le tematiche su cui si basano le diverse quattro opere pinteriane secondo il criterio classico dell'unità di spazio- il bar ( il pub) di notte e/o verso chiusura e l'umanità sbandata non certo piccolo borghese che là si incontra o si incrocia magari per caso fra storie e memorie in un clima sospeso tra il surreale e l'onirico. Ma non si rispetta qui il criterio della temporalità. Qui non si tira fuori Aristotele ma la fisica quantistica dove la regola dello spazio-tempo è annullata. Infatti i personaggi e loro storie viaggiano in avanti e indietro dentro un presente frantumato, paradossale. Il tratto graffiante che fa da trait d'union delle micropiece, è il tema di incontri: passati reali presunti potenziali possibili impraticabili fra persone che si conoscono e fra sconosciuti in spazi e forse tempi diversi sia nella realtà che nel ricordo. Uniti dal leit motiv del l'alcol e del juke box (da cui escono le note di Tomorrow di Amanda Lear e Heroes di Bowie nella solitudine del monologo straziato delirante di Tess). Il juke box domina le quattro diverse azioni insieme al bancone del barman con le sue bottiglie in bella vista ( nella prima azione coperto da cellophane insanguinati per il dialogo dell'assurdo tra i malviventi Ben e Gus del più famoso fra i testi scelti Il Calapranzi), il centro dell'occhio di regia è uno spazio fra il privato ed il pubblico. Infatti cosa è un bar? è un luogo ancora centrale nelle vite di moltissime persone almeno nel mondo occidentale, uno spazio significativo di condivisione dove avvengono incontri, un topos ideale insomma per osservare e sperimentare azioni fisiche e dialoghi, luogo teatrale “naturale”, crocevia consueto di letture e riletture di storie personali, di incontri cercati od occasionali. L'operazione di Binasco ci sembra quindi più che attuale. Sospesa tra spaccati di vite, tra persone reali e spettri dentro un circuito chiuso- il pub, dove il linguaggio della comunicazione umana si fa ambiguo, dark, disperato, sconnesso sempre al limite tra il giorno e la notte dove l'oblio, la confusione dei piani temporali la fa da padrona. Dove la solitudine e i tentativi vani peraltro di superarla col dialogo sgangherato finiscono per essere smascherati da un fallimento della parola che mai arriva là dove vorrebbe essere incisa. Come nei due siparietti della terza e quarta short stories dove a fine serata in chiusura della saracinesca tra gli ultimi avventori e il barman quindi fra presenti ed assenti si producono parole vuote, ciascuno parla a se stesso: così in L'ultimo ad andarsene dove un ragazzo uno strillone che vende fino a tarda notte giornali sulle strade parla con se stesso col bicchiere della staffa, come anche nella coppia di Night dove i ricordi comuni del loro primo incontro erotico non combaciano. Una lezione di stile questa di Binasco con tre attori di notevole classe che ben restituiscono sulfuree atmosfere contemporanee d'oltre Manica e universali.

PRIMA NAZIONALE

traduzione Alessandra Serra

regia Valerio Binasco

scene Lorenzo Banci

costumi Sandra Cardini

musiche Arturo Annecchino

luci Roberto Innocenti

con Nicola Pannelli, Sergio Romano, Arianna Scommegna

produzione Teatro Metastasio di Prato/ Teatro Stabile di Genova

PRIMA NAZIONALE

Visto a Prato, Teatro Metastasio, il 18 febbraio 2018